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Ieri sono andato a vedere “Giorni e nuvole”

Titolo originale:  Giorni e nuvole

Nazione:  Italia, Svizzera

Anno:  2007

Genere:  Drammatico

Durata:  116'

Regia:  Silvio Soldini

Sito ufficiale:  www.giornienuvole.it

Cast:  Margherita Buy, Antonio Albanese, Giuseppe Battiston, Alba Rohrwacher, Fabio Troiano, Carla Signoris, Arnaldo Ninchi, Teco Celio   

Produzione:  Amka Films Productions S.A., Lumière & Company

Distribuzione:  Warner Bros.

Data di uscita:  Roma 2007 26 Ottobre 2007 (cinema)

Trama:

Elsa e Michele sono una coppia benestante di Genova; all’indomani della festa di laurea di Elsa, il marito le confessa di essere stato estromesso dalla società da lui stesso creata e di essere senza lavoro già da due mesi.

Niente più viaggi, niente più casa lussuosa e l’amaro confronto con la precarietà del lavoro e il germe della depressione.

Commenti:

Un film che ha parzialmente diviso i commenti all’uscita dalla sala; la descrizione della crisi in cui cade un uomo, e con se tutta la famiglia, per causa della perdita del lavoro, è purtroppo un tema attuale e presente in maniera diretta o indiretta all’interno del nucleo delle nostre conoscenze reali.

Questo film non riesce ad alimentare degli spunti di riflessione ulteriori rispetto a ciò che mi gira intorno tutti i giorni; è un film lento e piatto in cui a mio modestissimo parere il regista fallisce miseramente anche la serie di allegorie e metafore con cui infarcisce il prodotto: la contrapposizione tra gli eventi che precipitano e la stasi delle continue immagini del porto, del papà di Albanese perennemente seduto davanti ad un acquario, del cappotto della Buy è grottesca, per non parlare poi della parallelismo banale tra gli eventi e il restauro dell’affresco che sinceramente mi è parso scontato.

Sbagliati i dialoghi padre figlia, il tradimento inutile di Elsa, l’immagine della barca con il nome cambiato, del vecchio che stimolato ricorda il nome del suo secondo al comando della nave, insomma un flop, che salverei solo per l’interpretazione intensa dei due protagonisti e un paio di scene che mi hanno fatto sorridere.

voto: 2 palle

Sicuramente tra i dischi più belli dell’anno, young team segna un solco profondo nella mia cultura.

La mia ricerca musicale sempre bramosa di novità e nuove sonorità si imbatte in un brano passato alla radio dal buon Prince Faster, si intitola Summer, ed è suonata da una band di ragazzetti scozzesi che si fa chiamare Mogwai; rimango rapito dall’incedere malinconico del brano che seppur strumentale, mi parla e suscita forti emozioni nel mio cuore.

Insieme a band come i Tortoise, ascoltando i Mogwai assisto alla nascita di un nuovo genere in cui la musica è l’epicentro sensoriale e non serve più il testo per inviare messaggi: questo è post rock.

Poco più che ventenni vengono a suonare a Roma, in un locale chiamato Frontiera, oggi triste fastfood americano; ovviamente io sono in prima fila, pur conoscendo solo quel brano, e nel vederli salire sul palco quasi mi vien da ridere per quanto sono schivi e “normali”; sorriso sulla bocca imbracciano gli strumenti e in silenzio inizia il concerto, prima solo basso, poi basso più chitarre, infine l’ingresso della batteria per un brano che lentamente prende consistenza ed infine esplode spaccando le gambe agli ignari uditori.

Gran bel concerto che mi costringe ad acquistare la sera stessa anche il cd, che oggi considero uno dei pezzi più preziosi della mia collezione.

In apertura subito un regalo, Yes! I am a long way from home, è il marchio di fabbrica della band, lenta, quasi un loop incantatore che addomestica il suono sempre più saturo, avvisaglia del macigno distorsivo che come cascata piove sul cervello di chi si lascia guidare nel loro magico sentiero; flebili sussurri femminili si ascoltano all’inizio, flebili sussurri maschili alla fine del brano, legato a Like herod, canzone in suspance capace di avvolgerci, coccolarci ed infine stritolarci masochisticamente nelle sue urla metalliche di dolore che per due volte compaiono improvvisamente negli oltre undici minuti di passione (questo brano dal vivo è per cuori forti…).

Il rumorismo diabolico del finale di like herod ci apre al basso di Katrien dove una voce maschile  appena percepibile parla, con tono quasi cronachistico di qualcosa di terribile che non possiamo comprendere.

Musica da film è Radar maker, pianoforte e impercettibili orpelli sonori vestono questo brano stranamente breve per i mogwai, ma arriva la sensuale Tracy imperturbabile sotto i suoi veli, elegantemente vestita si muove sinuosa al ritmo di uno xilofono, lentamente questi scozzesi ci avvolgono e ci risucchiano nel loro mondo vorticoso, piacevolmente ossessivo; si ripete sempre l’utilizzo della voce, come strappata ad un giornale radio, usata come sottofondo sonoro più che per fornire messaggi.

Ed ecco Summer, da ascoltare ad occhi chiusi, essenziale, triste, allegra, solare e lunatica allo stesso tempo, monumentale.

Ancora piano soave in With portfolio, che però è quasi subito sopraffatto da suoni assordanti che assalgono, distruggono e lacerano i timpani; finisce l’uragano sonore e subito una gracile chitarra cura le nostre orecchie frastornate aprendoci all’unico brano in cui la voce è in primo piano: R U still in 2 it? brano lento ed intenso dilatato nei tempi.

La malinconia ci coglie nel suo aspetto più viscerale e disperato in A cheery wave from standed youngsters, senza darci la possibilità di prepararci alla caduta negli inferi di Mogwai fear satan che nei suoi sedici minuti e diciannove minuti rimane uno dei capisaldi della musica di questo decennio; una marcia fiera, imponente, sul terreno di una guerra che non si vuole combattere, fatta di clarinetti che sorridono raffinatamente, e chitarre distorte che spazzano via i detriti di una società sbandata: come diceva il sommo poeta “è una libidine, è una rivoluzione!”.

 I mogwai sono uno di quei gruppi di cui sinceramente non potrei fare a meno perché nel loro silenzio sanno sempre dare una risposta alle mie domande.

Grazie di cuore ragazzi.

Voto 9\10

Afterhours. Mmm afterhours. Le parole non mi escono, ho la sensazione di non riuscire a trovare quelle giuste, di scordarmene qualcuna. Signori ma soprattutto signore, questo disco è il manifesto della musica rock italiana degli anni novanta.

Mi servirebbero delle ore per cogliere l’essenza di questo capolavoro, ed io ho solo dei ritagli di tempo per raccontarvelo; disco assolutamente poetico ed emozionante che trae linfa dalla incontrovertibile ed affascinante linea che segna la vita.

Innanzitutto chi sono gli Afterhours?

Gli After sono una band creata a Milano circa venti anni fa da un ragazzo benestante chiamato Manuel Agnelli, con lui diversi amici che nel corso del tempo si susseguono in numerosi cambi di formazione dando vita a diverse fasi stilistiche individuabili in una carriera ormai ventennale.

Dopo gli esordi in inglese e l’interessante se pur acerbo primo disco cantato in italiano intitolato Germi che vede l’ingresso in formazione del chitarrista Xabier Iriondo, nasce se pur con grossi problemi di carattere manageriale, che per un certo periodo ne mettono in discussione la stessa uscita, Hai paura del buio?, che risente in senso positivo di questo travaglio fornendo a tutta l’opera una maggiore carica esplosiva.

Insieme all’approccio da vero rocker di Manuel ed alle divagazioni sperimentali di Xabier nella line up del disco compare esclusivamente Giorgio Prette alla batteria, Dario Ciffo al violino e Andrea Viti al basso pur prendendo parte alle sessioni di registrazione non sono ancora membri ufficiali della band.

Album della maturità dicevamo, sintesi di una ricerca che va spaziando su diversi generi che solo apparentemente potrebbero sembrar cozzare all’interno delle diciannove tracce che lo compongono: permane l’approccio rock americano post grunge, ma si insinuano nelle trame delle composizioni echi della psichedelia dei  Beatles di stg. Peppers, brani vicini al cantautorato anni 70 italiano, ma anche divagazioni più sperimentali e tracce più estreme.

Hai paura del buio? e 1.9.9.6. servono a preparare l’ascoltatore alla fruizione del disco, la prima rumorista la seconda dal sound molto british rappresentano i titoli di testa di questo film, la cui prima scena è di quelle destinate ad entrare nella storia: Male di miele è l’icona del gruppo, il marchio indelebile, la canzone che non può mancare nei concerti, è la Smells like teen spirit degli Afterhours; riff inconfondibile, testo incalzante e poi quei coretti in falsetto ormai storici!

E subito dopo Rapace, ballad degna dei Temple of the dog, intensa e sofferta nelle sue note, delirante nel suo testo crudo: “verrò come un rapace a mutilare la pace dentro il tuo cuore”, se non è amore questo!

L’approccio diretto e una certa propensione alla descrizione della sessualità emergono  in Elymania dove giocattoli vibranti entrano nel corpo producendo miele che sa di….e proseguono in un altro capolavoro come Pelle, dove esplode la sofferenza per la lontananza tra due corpi che si cercano anche quando non dovrebbero; il romanticismo di relazioni proibite e il dolore che esso provoca sono esaltate dal violino di Dario che cerca sempre di non essere lezioso ma di dare solo degli imput sensoriali all’ascoltatore.

Dea è un brano di circa due minuti di puro hardcore che fa mancare il respiro a causa del suo ritmo serrato, precede le sperimentazioni di Senza finestra, un intermezzo pieno di effetti dai tratti cupi.

In Simbiosi è un brano acustico per voce, chitarra e sottofondi dove senza tanti giri di parole il buon Manuel ci racconta di come testualmente senta fondere le sue dita dentro una f..a.

Ma eccoci ad ascoltare un altra delle canzoni storiche della band, Voglio una pelle splendida; un brano riflessivo il cui testo ci aiuta ad investigare sulla complessità della vita e dei rapporti interpersonali, e le cui note ci fanno sognare tramonti montani.

La strumentale Terrorswing sembra registrata con un quattro tracce, gioca su rumori che creano suspance e poi esplodono sul tema centrale imperniato sulle note della chitarra; c’è  la sensazione che all’interno del disco questi divertissment musicali servano da lepre hai brani più d’impatto, come in questo caso dove Terrorswing è succeduta da Lasciami leccare l’adrenalina, sfuriata rock alla foo fighters.

I testi esasperati ed a volte difficili da comprendere proseguono in Punto g, seriosa e malata nel suo intercedere lento e sepolcrale; la scossa arriva ingurgitando Veleno in cui l’atmosfera cambia proiettandoci su venature hard vicine all’amico Greg Dulli.

Il pianoforte sostenuto dagli archi di Come vorrei ci riporta a sonorità inglesi, un raggio di sole apparente, appannato dal testo stravagante che parla di Strichinina ed Edda; è in questa parte finale dell’opera che emerge la mia tesi sul fatto che un disco dovrebbe essere al massimo di dodici tracce: Questo pazzo pazzo mondo di tasse e la semi strumentale musicista contabile farebbero fatica a trovare spazio in una scaletta da greatest hits.

Non si può dire lo stesso dell’energica Sui giovani d’oggi ci catarro sopra, ironica, tagliente e serrata accusa dei moderni “alternativi” capaci solo di sperperare i soldi del paparino; in conclusione Mi trovo nuovo, saluti da parte degli Afterhours con un brano in bilico tra la ballata, la psichedelia ed una sana dose di follia.

Un disco fantastico che non smette mai di sorprendermi.

Voto: 8,5\10

Grazie di cuore a tutti gli amici che intervengono in questo blog. CCO

In questo recipiente della memoria, attraverso la musica, faccio riaffiorare ricordi della gioventù che negli anni si sta trasformando in “adultità”.

I miei ricordi da bambino prima e adolescente poi però non possono non convergere anche sul quel calcio praticato nei campetti di terra con le porte fatte con i giacchetti, collezionato nelle mitiche figurine Panini, tifato simpaticamente con gli amici di sempre.

Ci si vedeva la domenica mattina al campo dell’oratorio per giocare contro chi abitava dall’altra parte della strada, si finiva sempre col litigare e qualcuno se ne andava bestemmiando…ad inizio anni 80 il premio dei bambini buoni erano 10 pacchetti di figurine, che troppo presto riempivano gli album, e allora ci si giocava, a battere e soffio a chi le tirava più lontano col mignolo, si usciva di casa con mazzi di figu enormi e si cercava di scambiare quelle poche che mancavano per finire l’album (qualcuno ha la figurina di Verza col Cesena dell’81?).

Juventino in casa di lupacchiotti, ero sempre in minoranza, ma il divertimento era proprio prendersi per il culo, e attaccarci alla radiolina portatile per ascoltare “tutto il calcio minuto per minuto”; a metà degli anni 80 un uomo venuto dall’Argentina stravolse gli equilibri del calcio italiano, riportando alla ribalta una squadra del sud: il Napoli di Maradona.

Il San Paolo è sempre pieno ed ammira le giocate di Maradona, Bagni, Carnevale e tanti altri, il mio amico Andrea, tifosissimo partenopeo, appende al muro, al fianco dell’italia campione dell’82, l’effige del pibe de oro e per qualche anno ci guarda dall’alto verso il basso sventolando la sua bandiera biancoazzurra.

Sono passati venti anni da quel primo mitico scudetto del Napoli, ed oggi quel calcio almeno in apparenza spensierato è davvero tramontato; ho scritto queste due righe perché stasera dopo parecchi anni l’anticipo di serie A ripropone al San Paolo Juve-Napoli, probabilmente come venti anni fa io ed Andrea staremo insieme a vedercela (le radiolina è sparita, ora c’è il satellite…) davanti ad un piatto di spaghetti.

Che bello assistere di nuovo a queste partite, che bello vedere che dopo venti anni, il mio compagno di giochi è ancora Andrea.

Perciò dico, forza Napoli e che vinca la migliore, ossia la Juve.

Un saluto a tutti gli amici napoletani.

Scomessina: risultato finale 1-3

Ciao

Ieri sera sono andato a vedere “il buio nell’anima”

Bjork è pura magia

La sua musica è magica.

Ascoltarla è leggere una favola, proiettarsi in un mondo parallelo, amica di Willie Wonka e di colei che visita il paese delle meraviglie, concede al suo interlocutore stimoli multi sensoriali capaci di toccare le quattro dimensioni.

Al terzo album solista dallo scioglimento degli Sugarcubes, Bjork coglie i frutti di quei semi sperimentali piantati nei precedenti Debut e Post  e ci regala la nascita di una nuova era; la freschezza compositiva mista a simpatica follia si trasforma in maturità, la struttura ora è complessa, c’è meno spazio per sorridere e più tempo per riflettere e concentrarsi su ciò che ci scorre intorno e che dalla notte dei tempi si trasforma in ogni istante.

Musica essenziale nelle 9-10 tracce di Homogenic, ritmiche cibernetiche governate da Howie b (già collaboratore degli U2 in Acthung baby e Zooropa) e da Mark Bell degli LFO  che vanno ad intersecarsi con melodie orchestrali intense e laceranti, e poi lei sublime nel dipingere le sue storie con trascinante passione.

Capire questo disco equivale ad imboccare un labirinto (lo sconsiglio vivamente a chi soffre di claustrofobia), sappiamo di non conoscere la strada che ci porterà alla metà ma questa inconscia dose di masochismo mista a carica adrenalinica senza indugio ci attrae, il rischio è di fare la fine di Jack Nicholson in Shining, oppure di essere premiati come Wendy.

Dicevamo, nove-dieci tracce, rimango in dubbio perché credo che la perla regalataci con All is full of love sia stata inserita in scaletta nelle ristampe degli anni successivi.

Hunter è un viaggio nel buio, immaginate fili colorati che si intersecano, si rincorrono, si accoppiano, si sovrappongono, suggestioni dettate da percussioni minimali, archi, fisarmoniche francesi e “boleri” di Ravel che spingono; è gia tempo di commuoversi, allora l’onda romantica di viole e violini sorregge lo sfogo romantico di questa piccola donna islandese in Joga, di sottofondo sempre percussioni metalliche che ci proiettano verso scenari futuristici.

La ricerca di rarefazione dei tempi ed espansione del suono verso l’alto è scandita in Unravel, dove pochi accenni sonori, ci fanno spiccare il volo con estrema pathos; ma ecco riesplodere il lato doloroso di questa artista, Bachelorette è il cuore pulsante di Bjork, sorretto da archi piangenti che fungono da controcanto al grido sofferente dell’artista.

All neon like è l’elettronica, ostica, minimale e suggestiva, ad alto rischio estrazione cd dal lettore se non la si ama, strepitosa nel caso contrario! Come quadro avanguardista, di difficile interpretazione ma mai banale; 5 years prosegue nella fase trance , ora suonarelli casio si mischiano a vibrazioni sintetiche.

Immature si avvicina invece a sonorità ambient, sensuali, come solo il jazz sa regalare, la tenera bambina in questo brano ruggisce usando la voce come una tromba  passando da toni squillanti a vibrati rauchi che si ripetono anche nella successiva e più “abbordabile” Alarm call.

Siamo arrivati al gran finale: Pluto è un gran regalo, esplosione techno degna dei migliori solchi di Aphex twin, ossessiva e percussiva, Bjork delira ricordandomi le improvvisazioni vocali del miglior Mike Patton, mentre scrivo ed ascolto, riesco perfino a ballare seduto sulla mia poltrona, questa è musica benedetta signori!

È finita, peccato.

C’è ancora spazio per una delle più belle canzone di sempre, qui in versione povera, voce e poco più per concedersi tre minuti di (o da) pelle d’oca; canto e controcanto per dirci che c’ho che ci circonda è denso d’amore e noi non possiamo trascurare questo messaggio.All is full of love.

Bjork è una grande artista il cui lavoro può piacere o disgustare.

Ai posteri l’ardua sentenza

Voto: 8\10

 La fine degli anni 90 rappresenta il culmine del movimento indie italiano, anni in cui mi ero illuso che finalmente i palati nostrani stessero lentamente iniziando a gustare musica dal sapore internazionale, tante band fiorivano in tutta la penisola, un certo fermento fine a se stesso sembrava respirarsi nell’aria; sembrava che la rima cuore amore stesse per essere spazzata via. Fumo negli occhi, purtroppo.

Ma i primi a rendersi conto dell’effimera illusione furono le band stesse, costrette nella maggior parte a chiudere baracca e burattini dovendo scegliere tra l’instabilità della vita da artista e la molto meno esaltante vita da impiegato, ma almeno stabile: non ne fecero segreto gli Scisma i cui componenti, malgrado un discreto successo, furono costretti a sciogliere la band perché non potevano permettersi di vivere di musica.

Di quell’ondata anomala, solo un 10 per cento è riuscito nell’impresa di fare della musica una professione, gli altri si sono lentamente persi nell’anonimato, facendo implodere in se stessa questa bomba culturale; notati e prodotti da Manuel Agnelli degli Afterhours, gli Scisma  creati da Paolo Benvegnù, sono un sestetto composto da tre ragazzi (voce, chitarra e batteria) e tre ragazze (voce, basso e tastiere) tutti dalla indubbia, grande presenza scenica.

La breve carriera in studio costituita da due soli dischi (il secondo ed ultimo si intitola Armstrong), parte con questo splendido cd intitolato Rosemary plexiglas, un album molto elaborato caratterizzato da una ricerca che va dal cantautorato alla sperimentazione, dal rock puro ad un pop geneticamente modificato: aulici, struggenti, emozionanti, divertenti, in una sola parola, deliziosi.

Dotati di una estrosa creatività compositiva, arricchiscono i loro brani con testi mai banali, anzi direi complessi! Il risultato è un disco molto versatile, fresco, di quelli che si possono ascoltare più volte di seguito, una bellissima fotografia del mio 1997.

Rosemary plexiglas si apre con il brano omonimo,uno degli italiani più belli del decennio, una ballad pop perfetta, condita con violini campionati e la sensuale voce di Sara che ci annuncia la volontà della band di puntare a dare ai loro fruitori nuova linfa; di seguito Completo mette l’accento sul lato più indie della band, una miscela di noise rock e musica contemplativa con  chitarre distorte e una voce aggressiva e graffiante (ricordano i migliori Marlene Kuntz); sottovoce nei cori inizia a farsi sentire Paolo Bevegnù con il suo look vintage, si riscalda per il  successivo brano, Loop 43, in cui si invertono le parti tra cantanti, un brano che parte piano ma poi si apre con forza vigorosa. Stesso discorso per la tribale PSW che all’inizio è cupa ,quasi voglia esorcizzare una siccità sonora durata troppo a lungo, ma che poi come quando arriva la prima goccia d’acqua riesce a spargere nell’aria un elisir profumato ed inebriante; ecco  arrivare un momento di relativa calma, Negligenza è un buon brano che mette in risalto il lato più ludico e scanzonato della band (ricordate gli Ustmamo?), con ritornelli che si avvicinano a scioglilingua.

Centro e la successiva Svecchiamento ci riportano al lato più squisitamente rock e dark della band, testo torbido quello che si spalma sui tamburi indiani del secondo brano in questione ( si parla di “agreste bisogno di svendere fluidità”); quasi per spirito di contrapposizione ecco la freschezza di Sara che sdolcinatamente ci racconta del suo corso di “Videoginnastica”.

Paolo invece in Autostrada e Golf si sbilancia mettendo in evidenza il suo lato più intimista e cantautorale, quel lato che poi esploderà nel bellissimo disco solista di alcuni anni dopo, bellissimo come  L’equilibrio, brano romantico ed emozionante con un tema centrale semplice ma evocativo, accessibile a tutti i palati; ascoltando questa canzone un po’mi innervosisco perché oggi avremmo bisogno di band di questo spessore.

Con 84 le due voci si scontrano spaccando il brano in due, paolo da una parte che fa il cattivo e dall’altra una sara,  soave; finisce pari e patta con i due che se ne vanno fischiettando mano nella mano. Nuovo è il brano più coraggioso della band, e forse per questo sarebbe bene premiarlo come il mio migliore dell’intero disco; sette  minuti di atmosfere magiche, farcite di archi, campioni lirici, e quel non so che di passato che aggiunge pathos al brano, silenzi, cadenzati da tamburi lontani, che poi si tacciono per l’esplosione chitarristica che vomita energia sull’ascoltatore ignaro.

Il silenzio della signora Mazo in Nuovo si spiega nella successiva ed ultima canzone intitolata Poco incline ai rif, dove con voce fanciullesca ci congeda dagli Scisma regalandoci l’ultima magia del disco.

Voto: 8\10 

I Depeche mode sono intimamente legati alla mia crescita musicale e non; le loro canzoni mi ricollegano come istantanee ad eventi della mia vita trascorsa: da più di venti anni mi tengono compagnia, era il 1986 quando rimasi affascinato dalle cupe vampe di Stripped, era l’estate dell’1990 quando al juke box di Esperia le 200 lire mi facevano ascoltare Everything counts, potrei ricordare ancora i baci dati e le promesse d’amore fatte ascoltando One caress,  il viaggio a Bologna per vedere il concerto, fino  alla splendida serata della scorsa estate a cantare con i miei amici dalla tribuna dello stadio Olimpico.

Venti anni di ascolti non sono pochi, ricordo ancora la mia prima cassetta dei depeche, su un lato c’era Music for the masses, sull’altro Under a blood red sky degli U2; se dopo tutto questo tempo ancora sono qui ad ascoltarli significa che la storia sono loro!

Ultra esce dopo un periodo di silenzio durato qualche anno, legato alle instabili condizioni di salute psicofisiche del cantante Dave Gahan che tenta il suicidio in diverse circostanze; non è passato tanto tempo dalla morte di Kurt Cobain, sembra che l’abuso di droghe stia facendo calare un’ ombra minacciosa su molte delle icone rock del  decennio passato: questo disco sovverte questo trend pessimista regalandoci una gemma preziosa e una vera rinascita artistica.

Di nuovo in tre dopo l’abbandono di Alan Wilder, Dave e soci sfornano un disco che al suo interno assimila  germi oscuri degli ultimi anni di vita ma che si propone come medicina rigeneratrice; un disco noir intriso di atmosfere monocromatiche, evoluto da un punto di vista dei suoni e classico nella concezione della sua struttura globale.

Dave non si sottrae al suo passato, i cui echi sono presenti nelle note di Burrel of a gun, dichiarando guerra a quel male (la droga?) che ha cercato di eleggerlo a sua sintesi; un brano oscuro, indispensabile all’esorcismo che ha portato la rinascita del gruppo.

Il sacrificio è stato offerto, ecco di nuovo la voce soave e le atmosfere ambient di The love thives  ed Home a mettere in evidenza quel lato romantico e sognatore della band; arriva It’s no good, e l’alba si affaccia sui volti del trio che finalmente possono tornare a ridere e ironizzare sulle loro capacità persuasive in amore con un brano dalle spiccate venature rock e sonorità dance (grande video!).

Due minuti di riflessione strumentale in Uselink, si risentono alcuni suoni anni 80 dei vecchi depeche e poi è Useless a riportare le influenze più rock nel vivo delle tracce; Sister of night è la sintesi di quanto detto finora: è un brano malinconico in cui emergono i segni di una ferita non ancora rimarginata  che solo la musica può curare.

Dopo il sensuale intermezzo strumentale di Jazz thieves, ci trasferiamo nelle piantagioni di cotone di Freestate dove una chitarra slide lancia uno slogan di libertà; similitudini con gatti, pedoni e farfalle e l’ennesimo riferimento biblico ci conducono sul sentiero dell’amore di The botton line.

Insight “chiude” l’album, una rarefazione sonora rappacifica i nostri sensi e ci spinge avanti fin oltre quel limite che nasconde una traccia fantasma, Junior painkiller, che celebra all’interno di un’aurea misteriosa la fine dell’esorcismo.

 Tracklist

Barrel of a gun

The love thives

Home

It's no good

Uselink

Useless

Sister of night

Jazz thieves

Freestate

The bottom line

Insight

(Painkiller Jr.)

Voto: 8,5\10

I machine head rappresentano insieme ad altre band come pantera, fear factory, korn e slipknot, quella sfera di artisti che ha tentato di emanciparsi dagli stereotipi del trash metal degli anni ottanta pur attingendovi a piene mani; non c’è più solo l’ostinata ricerca della velocità e del virtuosismo chitarristico, che in questo disco si palesa ad esempio in Struck a nerve o Baby of pigs, semmai ora l’obiettivo è mischiare le carte in tavola, l’obbiettivo è rinnovarsi, attingere da più fonti, ricercare più la qualità del suono che i watt.

Quali sono queste fonti alternative? Alcuni punteranno all’hip hop o il rap, altri all’elettronica, nel caso dei Machine head la virata è verso l’hardcore, il black metal; malgrado la qualità innegabile di tutti i componenti della band, la loro scelta sembra meno forte, sembra che solo a tratti vogliano scrivere la storia del rock, rimanendo sempre in bilico tra tradizione e innovazione. È per questo motivo, che secondo il mio modestissimo parere, questo disco, secondo della loro carriera, rimane un incompiuto, che fa trapelare tanta qualità ma che sinceramente non emoziona all’ascolto.

A distanza di dieci anni, si ha la sensazione di sentire un disco vecchio, come se la strada d’innovazione intrapresa dal quartetto americano abbia portato ad un vicolo cieco; è difficile da spiegare, sembra che ciò che una decade fa sembrava essere la novità, oggi sembra più legato agli 80 che al 2000.

Ma allora dove dobbiamo andare a parare per salvare questo disco? Se Chaos a.d. dei Sepultura e Aenima dei Tool, rimangono dei vertici inarrivabili, a questa band va dato atto che se probabilmente, stilisticamente sono qualche passo indietro, da un punto di vista della resa sonora siamo a dei livelli di sofisticatezza elevatissimi: la linea basso batteria entra nello stomaco e lo sconquassa, interessanti ed avvincenti alcune ritmiche che si staccano  dai canoni trash rullante-cassa, vedi Take my scars o Spine.

Il brano di apertura Ten ton hammer invece mette in evidenza i germogli della novità stilistica del cantato: quell’alternanza di strilla e melodia che tanto piace agli amanti del crossover moderno; semaforo rosso invece al chitarrista Logan Mader che con i suoi assoli alla Dave Moustaine è il principale imputato per quella mancanza di freschezza che si nota nell’ascoltare il disco.

Il disco è consigliabile a chi ama quelle strutture claustrofobiche, alienanti e tecnologico-meccaniche del metal e considerando gli Iron Maiden troppo epici preferisce gli Slayer.

Sintesi psichedelica del XX secolo, caposaldo della scena musicale elettronica inglese, tra i primi ad intuire gli sviluppi sintetici della musica rock, ed importare impulsi wave nelle discoteche di tutto il mondo.

Nel calderone dei fratelli chimici convergono house, techno, hip hop ed un sfacciato ammiccamento a quei trip allucinogeni dei primi anni settanta che tanto li contraddistingue; molte le collaborazioni, si va dal clarinetto di J. Donahue dei Mercuri rev  in The private psychedelic reel, alle atmosfere rockeggianti di Where do i begin con la voce di Beth orton fino alla performance di Noel Gallagher in Setting sun.

“Papaveri” indiani influenzano la celeberrima Setting sun, mentre con It doesn’t matter ci caliamo nei meandri più oscuri  della techno di matrice americana anticipando di qualche anno la super hit Hey boy hey girl: il rave è iniziato e stranamente è una canzone dal titolo Don’t stop the rock a ricordarcelo. Sentire questo disco ad un volume non sostenuto riduce di un 50%  il suo fascino, basato su istintività, tribalismo sonico e istigazione al ballo sfrenato.

La sensazione malgrado tutto, è che questi due ragazzi di Manchester non si siano incontrati solo per far ballare milioni di persone, ma il loro progetto sia di più ampio raggio; la ricerca di sonorità mai banali, che comunque facciano riferimento a diverse culture fornisce loro uno spessore che va al di la della scena dance,troppo spesso bollata dai puristi  o presunti tali della musica.

Sono convinto che artisti del passato come Beatles o Hendrix non esiterebbero a dar luogo a collaborazioni con questi due furbacchioni, non a caso protagonisti a cavallo tra 60 e 70 di viaggi a base di lsd e altre sostanze chimiche allucinogene!

Non ci si può congedare da questo disco senza celebrare l’hip hop industriale di Block rockin’ beats, vero cavallo di battaglia di una band che a distanza di 10 anni sa ancora entusiasmare senza cadere in facili cali di tensione.